大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于双勾绘画手法的问题，于是小编就整理了2个相关介绍双勾绘画手法的解答，让我们一起看看吧。
国画写意荷花很多人喜欢画，如何达到“清、润、雅、逸”的效果？
用写意方法画荷花，是对真实荷花的提炼、夸张和概括。画荷花，必须把荷花“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”、体态大方，飘然若仙的精神表现出来，可双勾，可厾笔，可勾厾并用。画好的关键在于运笔和章法（构图），尤其是运笔是画好荷花的根本。画花时要用锋得当，水分适度，起落有度，快慢相宜。双勾通常用中锋或裹锋，力求浑厚挺拔，厾笔要轻重有姿，力求滋润有力。画叶时要注意锋势走向，水分饱满，快慢配合，笔意连接，力求整体有韵。画柄时要注意用锋速度，通常以使用中、裹、逆、拖锋为宜，力求圆润挺拔。章法是作品的框架，把荷花和小叶卸任为点，柄看作为线，荷花看作为面，通过点、线、面在画面上的开合、阻引、紧松、错落的组合和切割以及流露出的浓淡、枯湿、前后的搭配，使画面产生丰富的韵律效果，从而体现出荷花的多姿多彩。关键问题解决了，成功就有了把握，同时还须在笔墨、章法、诗文、书款、印章等方面作合理的安排及巧妙的组合，才会产生出一幅好的作品来。
画荷花要注意用笔和水分的控制，要体现出笔在纸面上行走的轻重、快慢和顿挫。荷叶的筋脉似鸡爪，要画得有弹性。荷柄上的点要连贯，须疏密错落。
荷花贯以高洁著称于世，翠叶如盖，花大梗长，肥硕丰盈，独娇于水生花卉。荷花花实齐生，百节疏通，亭亭物表，万窍玲珑，“出污泥而不染，濯清涟而不妖”(周敦巸语)，可谓花中之君子也。
唐诗宋词中赞美荷花的诗句无数，信手拈来几句，“接天莲叶无穷碧、映日荷花别样红”“惟有绿叶红菡萏，卷舒开合任天真”等等，荷花的娇媚及风情尽在其中。
诗人从不同的角度发现了不同的美，画家更是在观察中展开视觉形象思维的翅膀，通过自己的艺术语言和笔墨构成，营造出独特的艺术氛围和境届写意荷花一定要立足传统，勇于创新。“师古人，师己心，外师造化那如梦如诗的境界，是对生命的绮丽和轮回、愉悦和幽思的歌吟。
荷景以泼墨成叶，勾勒花型，朱红设色，加以点线面的纵横穿插，显现“清、润、雅、逸”之形态，内蕴着莲花之清高，是鲜艳和自在的生命。让观赏者从中感受到的是画家坚韧的自信和蕴于笔墨中对生命的挚爱之情。
陈丹青曾说过“素描影响了国画的创作”，您怎么看？
其实素描对国画创作作用影响不足一题，素描表现在于物体表面结构，是学油画的基本功，对国画来讲“对牛弹琴”？而国画表现内在的精神，墨色浓淡自然融化深透在宣纸中笔法效果，达到巧夺天工完美结合意境，灵活随机一挥而成，物有我生必有我意，抒发大自然具有强大有生命力的艺术展现，正如***齐白石讲“妙在似与不似之间”绘画理念。现代化科技智能化逐步走进生活中来，同样的绘画更应该去认识掌握同时去激发这种思维，把这个庞大的空间激活出来。梅林329时空国画第709张供参考。
任何事情都有他的两面性。徐悲鸿先生引进素描后，确实让我们学到了很多新东西。但传统的国画韵味却仿佛丢失了，甚至有的感觉是用国画颜料一味的仿制素描样式去作画。虽然是一种创新，但过于强调素描基础也未必是好事。我们国画同样可以练习造型功底，同样可以勾勒草图，为何不取之传统，再创新呢？非要把素描强加于说是绘画基础，并且现在高考都是必须考素描而并非可以选择国画。我觉得陈丹青先生说的是有道理的，因为过于刻板的东西是很难打动人心的。素描引进也是有他的好处的，毕竟现在有很多油画学者，油画上还是需要讲究一定的素描功底。对于国画学者，宁愿多进行一定的国画创作创新。不应该把素描学的太死，灵活对待素描。陈丹青先生恨考前素描的形式，这样说也不为奇。
这话说的是正确的，没有错，西画和国画就是两类画。最好是井水不犯河水，各走各的道。中国画只是中国人的画，是在中国土地上产生出来的画。中国人只有按照古人回归古人，回到原始社会去。
“素描影响了中国画创作”，如果仅仅指传统中国画，说的完全正确。其一，***问题，中国传统画没有***概念，后人安了个名词“散点***”，能说的过去，传统中国画内在意境，点和线条能办到的事，就不会考虑面的事，更谈不上立体了；其二，绘画就是视觉艺术，客观说，中国传统画，我怎么也看不到立体效果，也许层次不够，但是你不能让人慢慢静下心，品着茶或小酒耗着光阴赶着鸭子上架往上贴着去想“意境”吧！其三，发展观看问题，民族性是风格，但是风格必要条件是世界大同，中国画是自己的，但是在世界艺术之林中，认同的有多少？就是按人口计算，我们十三亿人都认为中国画领先西画，剩下的三十多亿人都认同吗？
回到正题，传统中国画因为点、线、皴、擦、染来表现，在主观上更多是花鸟画讲意境，人物画讲神韵，山水画讲扬，老祖先们做到了，现代画家也做到了，但是，比较西画还是逊色！因为用视觉来欣赏艺术，是人的本能，所以西画必须具有良好的素描基础，中国传统画没有必要去学西画的素描。
但是中国画如果墨守成规，不吸取西画的营养，只在线条上精雕细琢，步入世界艺术之林，肯定说：没有可能！晒几幅我的画作如图
陈丹青说“素描影响了国画的创作”，是从国画的审美特性来说的。在我的印象中，除过陈丹青外，还有几位画家说过相类似的话。
以我对国画的理解，若在国画创作时，把素描关系放在首位，即对造型和光影的刻意展现，势必会影响国画发挥笔墨趣味的自由，国画始终是依靠笔情墨趣来体现审美理想的。
众所周知，国画是以整体气韵和骨法用笔来展现独特味道的，这是国画区别于西方绘画最独特的外在视觉感受。
整体气韵就是指，欣赏国画时，首先从整体来感受画面的气势和韵味。若是山水画，若能感受到画面具备如群山那样延绵不绝的气势，深远的空间感，以及符合自然地貌的特征，具有可赏，可游，可住的感觉，那么，就是一幅好画。
骨法用笔是指，画中的山体，石块，树木，河流，瀑布等物象的轮廓线，是造型的基础，只要这些轮廓线看起来苍劲老辣，刚柔相济，如书法线条那样耐看，在用笔用墨的品味上，就没有问题。
若是一幅花鸟画，除过跟现实物象具有几分相像外，更要体现出笔墨的生动性和空灵性，墨色看起来是活泼的，而不是死板呆滞的，如同一团团墨疙瘩。
若是人物画作品，则要通过线条和笔墨的灵活运用，体现出人物的精神状态，呈现出惟妙惟肖的神韵，是欣赏者从主观意识中感受到的一种客观真实。
说到底，造型一直是国画所忽视的，国画如同纸上的音乐，笔墨的浓淡干湿，轻重缓急，就是它的音符，依靠笔墨状态体现内在审美韵味是国画的本质。
素描是一种科学造型手法，不但要强化形象的完整，更要体现光影明暗关系，以及空间层次的关系。如果国画按照这些要求来画，肯定要牺牲笔墨和线条的变化，让它们失去了自由发挥的余地。
像中西结合的那种人物画，乍看之下觉得画得很像，很真实，但画面缺乏灵魂，缺乏让观者审美再创造的空间，若一眼就看完了，不再会引发其它思考。
到此，以上就是小编对于双勾绘画手法的问题就介绍到这了，希望介绍关于双勾绘画手法的2点解答对大家有用。
