大家好，今天小编关注到一个比较有意思的话题，就是关于浑然天成绘画手法的问题，于是小编就整理了2个相关介绍浑然天成绘画手法的解答，让我们一起看看吧。
表示绘画的词语？
惟妙惟肖 妙笔生辉 画龙点睛 笔底春风、
笔精墨妙、
笔墨横姿、不拘绳墨、丹青不渝、丹青妙手、
点屏成蝇、点指画字、画龙点睛、
画龙刻鹄、
画若鸿沟、
画沙聚米、
画水镂冰、
画脂镂冰、
画中有诗、挥翰成风、挥毫落纸、挥洒自如、
活色生香、落笔成蝇、
眉黛青颦、描神画鬼、妙手丹青、润笔之绢、山节藻棁、山耶云耶、涉笔成趣、神工意匠、铁画银钩、下笔风雷、一挥而就、银钩铁画、银钩玉唾、匀红点翠、醉墨淋漓
梵高的《向日葵》所表现的手段是什么？
大地上生长的太阳
.
不以为然。——
梵高果断地
割下那只多余的耳朵。
疼痛顿时减轻了一半
.
另一半
只用来
在动荡的色彩与光中
谛听出
那副永恒的逃生之窗
——王以炎《印象》
.
“每一幅画都是一扇打开的逃生之窗，每一幅画都是一个诞生自我的神秘胎盘。“
梵高在1888年离开巴黎来到法国南部城市阿尔。这个地方，尤其是这里生长热烈的向日葵，尤其是向日葵的燃烧让他变得疯狂——”我与疯子的唯一区别是我没有疯！“他的心变得滚烫，他的画风变得热烈大胆，他的梦境是孩童的纯真的梦境，他的色彩变得单元而纯粹。梵高为南方明艳的阳光和大地上的太阳而激动，他深信太阳在他的画笔下是成群的。
成群的太阳将我们带向神秘！
画过上帝的人，才能画出太阳。画出人们不能直视的太阳的人，才能画出灵魂和我们心底的道德律。梵高就是这样的***。
所有的向日葵都是拟人的，如同所有的色彩都在物化。
梵高，这个世界的一个独到者。他在光里发现不同的光，在黄里发现不同的黄，在暗里发现暗中的人，在向日葵里开出不同的向日葵，在纸上种植不同的太阳和火球。
让纸包不住火，梵高！
没错，心里要有中心对称的美但是向日葵应该是舞蹈的火苗。
没错，“我应该割掉一只耳朵，让疼痛只剩下一半！”
梵高把他的灵魂，他的情感，他的梦都融入到了这些向日葵中，那么他是如何表现的呢？
一，梵高用***式的笔法，将色彩和线条以及光感混合成动态的画面，使画面不至于死气沉沉而是生气勃勃，色调不至于沉闷而有张扬、不断变化的黄的在场，富有节奏和音乐性，让人油然而生沉浸的梦幻感。
二，梵高用变形而略显夸张的笔触，捕捉其带有强烈感***彩的意象与画面，形成一种大致而强烈的瞬间印象，达到一种浑然忘我的境界。
三，印象手法。这些向日葵是向日葵，这些向日葵又不是向日葵。它们是不同的太阳，是有发型的头颅，是螃蟹，是眼睛，是精灵，是抽象的肉体，是具象的心灵。是自我的诞生也是活着的出口。
四，相聚在某个平面上。”画家的工作不是把众人带回到世上，画家的工作，是把人引到某个层面，甚至某个平面，让它止于此，获得永恒与宁静。“
哦，成群的太阳，向我们飞来！
.
向日葵象征着阳光，象征着爱情，向日葵只属于梵高。
梵高画的向日葵树立起了一个划时代的艺术高峰，后人不可企及，只能膜拜。
梵高是一个极端个性化的艺术家，他所表现的不是人们通常看到的视觉形象，而是他的自我感受，在色彩的运用上，梵高随心所欲，大胆追求色彩和线条自身的表现力，以至于画面上的向日葵在常人看来面目全非，完全不讲***和造型，比例也完全不对，他要表现的是他的印象。
开始画向日葵时，梵高已经到了法国南部的阿尔勒，35岁的梵高顶着烈日每天在原野上游荡，他曾画过十几幅向日葵，他说“我想画上半打的向日葵来装饰我的画室，让纯净的明黄在各种不同的背景上，在各种不同程度的蓝色底子上，从最淡的蓝色到最高级的蓝色，闪闪发光。”
题主问梵高的向日葵所表现的手段是什么，这个问题怕是梵高本人也不会给出明确的答案，对于一个灵魂画者，手段已经无足轻重，你也只能用灵魂去体会。
本回答将围绕梵高最具代表性的几幅作品来分析梵高的色彩表现手法，
争取做到分析事实而不谈感受，讨论技法而不谈感情，
跟大家讲讲大白话。
这个问题问得真的算蛮务实的，
问的是“手法去表现色彩”而不是艺术情感表达，
这么看来，题主是本身有了想要学习梵高的需求，
甚至要求结合作品来谈，
既然如此，我也不来虚的，
先来点真实的：
1.看似与色彩无关但实则息息相关的技法——真诚的小笔触
为什么说是真诚的小笔触呢？
因为评价梵高的笔触，除了真诚我想不出第二个词了，
下面这幅画是一张经过数码处理的《向日葵》，
我特意调了下明度对比，这样可以更清楚地看到梵高的作画笔触，
请注意这张画的背景，这个背景是单色的，
我们把背景截取一块来看看：
我们可以很明显的看出，
梵高哪怕是处理单色背景，也是耐心地一笔一划一横一竖地一笔笔铺满。
不觉得奇怪吗？
正常人画画描绘单色背景，不都是拿大刷子直接抹匀吗？
或者柔色进去加入色彩变化也行啊，
怎么单色背景还要一笔笔地画？
是不是傻啊？
对，就是傻，就是拙气，
当然这也可能跟他学习印象派的观察方式和作画技法有关系，
但这在单色背景上这么处理实在是有点傻，
可正是秉承着这股拙气，
才使得的他的每一幅画的细节处理和色彩变化让人动容，
由此引出第二点：
2.建立在小笔触之上的变化——明度变化
这里我们来看天空背景和地上麦穗的明度变化，
你可以明显的感受到前面梵高养成小笔触作画习惯的好处，
在表现复杂的物体时，梵高没有选择简单的概括或者含蓄的表达，
他全部老老实实的一笔笔画了下来，
不一样的地方在于上一幅画是单一色而这一幅需要兑白来控制明度，
当然也不是完全老实，人家心不笨，心巧着呢，
对比天空的笔触也可以明显感受到麦穗的笔触变细小，这样可以容纳出更多的细节，
只有秉承着这股拙气，才营造出了这么饱满的画面，
明明是单色，却显得丰富，没有放过每一处眼睛所看到的美好。
3.建立在小笔触之上的变化——色彩的搭配与对比
仍然是建立在小笔触之上的手法，
首先是小笔触上的明度对比，在用小笔触构成同一事物时，内在的明暗对比跨度很大，
根据下图可以很明显的看出，高亮光的笔触下都会压一笔黑色或重色：
这种手法本来是印象派的描绘现实光感的技法，
但明显被梵高继承和解构了，变成自己主观表现的手法。
还有一种明度对比是直接在深色背景上摆稀碎的浅色笔触：
这种笔触本质是为了造型，因为浅色笔触的整体朝向是随着形体而摆动的，
这是明度上的对比，再来谈谈建立在小笔触之上的色彩搭配对比,
这个虽然是建立在小笔触之上的分析，
但在梵高的画面中，绝对不是局限于小笔触中，
色彩的搭配的精彩充斥在梵高的整幅作品中：
上面这幅画，天空的云朵刻意从蓝色调整成偏微微淡紫的倾向，
然后在云朵与云朵之间，插入代表天光的***小笔触，
构成黄紫色的互补色对比，当然也有人觉得这是纯粹的蓝色，
但请仔细看看，倾向是偏紫色的。
再看看下面这幅画的背景小笔触用色，
使用浅红、灰绿、深蓝、浅蓝综合表现出明度和色彩的双重对比，
红绿也是一对补色，但如果红绿双色明度纯度都高的话就会变成我们常说的红配绿赛狗屁，
梵高非常先觉地降低了绿色的明度和纯度，提高了红色的明度和纯度，
才会使得红绿搭配和谐出彩。
除此之外，他甚至把红色的色相调整成偏橙色的色相，形成蓝橙色的补色对比，
简言之，梵高用了一种朱红色，跟背景的绿色和蓝色搭配出了两组巧妙的互补色对比。
看到这个的时候，
我们能更加明晰梵高的小笔触技法的深度，
也分析了小笔触局部出彩的地方，
但是，局部也是要依托于整体：
4.建立在小笔触之上的变化——基于光感去把控整体的色调
明度变化：向阳处亮，距离太阳越来越远，画面明度控制越暗。
冷暖变化：能够明锐的表现冷光或者暖光环境的色彩色调整体变化。
冷暖色调同幅对比：注意地面的小笔触变化，梵高把冷色暖色受光背光远近虚实的细节地都融汇在了地面的变化之中。
以上就是梵高关于色彩角度的全部手法分析，
上述撰写我刻意不参杂任何情感和艺术感受，
单纯从技法和视觉效果角度去分析，
那么我的结语，也将是从视觉效果和技法去总结，
梵高的画面思维是基于印象派的光学色彩理论后的发展呈现，
在我看来他的小笔触是一个比较好的画面分析切入角度，
梵高是现代艺术的开门者，
我认为梵高根源思维上不同于传统造型画家的地方在于，
传统画家往往是选择简单的复杂作画思路，
而梵高是选择复杂的简单作画思路。
最后，不管我如何刻意不谈情感和艺术表达，
我都不得不承认，当你模仿梵高这样去作画时，你能明显地感受到，
当你真的能有一颗这样的耐心去真诚地一笔笔描绘时，
这样真诚的笔触下，
用心地去描绘好一笔一划时，
不管你想不想，
你的每一笔都会产生饱满的情感，
这是不自觉且不可控的，
因为你的心已荡漾在艺术之海中了。
到此，以上就是小编对于浑然天成绘画手法的问题就介绍到这了，希望介绍关于浑然天成绘画手法的2点解答对大家有用。
